BETTY BOOP, EL DIBUJO ANIMADO QUE DESBANCÓ A HELEN KANE

El 4 de agosto de 1904 nació en Jackson Heights, Queens (New York) la cantante de música popular Helen Kane, cuya canción más emblemática y representativa fue 'I wanna be loved by you'. Su voz y su aspecto físico inspiraron al dibujante Max Fleischer para la creación de su personaje 'Betty Boop'

Nacida como Helena Clara Schroeder, fue la menor de tres hermanos. Su padre, Louis Schroeder, el hijo de un inmigrante alemán, trabajó de manera intermitente y su madre inmigrante irlandesa, Ellen (Dixon) Schroeder, trabajaba en una lavandería. Ellen, a regañadientes, pagó 3 dólares por un vestido de reina para su hija en la primera función de teatro de Helen en la escuela. Para cuando tenía 15 años, Kane ya actuaba en escenarios profesionales, recorriendo el Orpheum Circuit con los Hermanos Marx en On the Balcony. Pasó los primeros años veinte actuando en piezas de vodevil y como bailarina en el espectáculo ambulante 'All Jazz Revue', donde en ocasiones cantaba con el trío vocal The Three X Sisters. En 1921 debutó en el New York Palace y el año siguiente en Broadway, con un papel en 'Stars of the Future'.

Su éxito comenzó en 1927, cuando apareció en el musical 'A Night in Spain'. Se dieron un total de 174 representaciones y a continuación, el director de orquesta Paul Ash la puso como cabeza de cartel en el Paramount Theater de Times Square. En su primera aparición intercaló en su interpretación de 'That's my weakness now' las palabras "boop-boop-a-doop", un detalle que no pasó desapercibido para los 'flappers' de la época, y cuatro días después, su nombre estaba en boca de todo el mundo.

Fue en 1928, en el show 'Good Boy' de Oscar Hammerstein donde, entre canciones como 'Don't be like that' y 'Is there anything wrong in that?', introdujo por vez primera la canción 'I wanna be loved by you'. Seguidamente triunfó en el Palace donde le pagaban 5.000$ a la semana. Karen poseía una excelente dicción, entonación y ritmo y gracias a su época en el vodevil resaltaban sus coquetas maneras de cantar, en las que fusionaba diversos estilos vocales de los años veinte, como el scat -una forma de improvisación vocal- así como la unión de canto y recitado (speech-song) haciendo eco de lo que en la república de Weimar alemana estaba entonces muy en boga en los night clubs, el 'Sprechgesang'.

Su carita redonda enmarcada en unos rizos negros, sus grandes ojos y sus pequeños labios, junto a su corta estatura (1,55 m) y redondeadas formas, representaban el ideal de belleza femenina de la época. Helen Kane era lo que se llamaba una chica Flapper, las chicas de los alegres años 20 que causaban furor en las salas de fiesta.

En 1930, los estudios 

Max Fleischer 

presentaron una caricatura de Helen Kane, un personaje con orejas de perro y voz chillona, que aparecía en el film animado

'Dizzy Dishes',

'Betty Boop', que fue como se conoció el personaje más tarde. Max copió la cara, mirada, sonrisa, gestos… prácticamente todo de la joven Helen, quien no fue demasiado bien pagada en comparación al gran negocio que hizo el creador de Betty Boop y la productora Paramount.
Pronto se hizo popular y eso generó la creación de sus propias historietas. En 1932, Betty Boop se convirtió en un ser humano: las orejas de perro fueron sustituidas por dos grandes pendientes.

Betty Boop se convirtió en el prototipo de chica sexy y algo ingenua, pero con un puntito de picardía y descaro, que tanto gustaba a la sociedad americana del momento. A pesar de ser de dibujos animados, era la mejor representación de la chica flapper, la antecesora de las famosísimas chicas pin-up que tanto gustaron un par de décadas después.

La relación de Helen Kane con Betty-Boop no fue demasiado buena. La Paramount, el estudio de ambas, dejó de apoyar paulatinamente la carrera de la cantante para centrarse en la del dibujo animado haciendo que la fama de Helen cayera a la misma velocidad que la de Betty-Boop crecía. Además, con las penurias de la Gran Depresión, el mundo extravagante de las flappers había terminado, y el estilo de Kane empezó sonar anticuado. Después de 1931 también perdió el favor de los cineastas, que optaron por otros cantantes para sus películas. Apareció en una producción teatral llamada 'Shady Lady' en 1933, e hizo apariciones en varios clubes nocturnos y teatros durante la década de 1930.

En mayo de 1932, Kane presentó una demanda por $250,000 contra Paramount y Max Fleischer, por competencia desleal y apropiación indebida en los dibujos animados de Betty Boop. La cantante centraba la demanda en que Betty Boop imitaba su personal estilo de cantar, con voz aniñada y arrastrando un deje de Brooklyn que volvia loca a la audiencia. El juicio se prolongó durante más de dos años antes de que el juez fallara en su contra, aduciendo que su testimonio no demostró que su forma de cantar fuera única y no una imitación.

Entre 1928 y 1930 Kane grabó 22 canciones. Los siguientes veinte años únicamente grabó cuatro temas para Columbia, además del single 'I wanna be loved by you', perteneciente a la banda sonora del film 'Three little words', en la que aparecía Debbie Reynolds cantando el tema, pero doblada con la voz de Kane, que no apareció en los créditos. En 1954 volvió a grabar cuatro temas para el EP 'The Boop Boop a Doop Girl', y en los años sesenta apareció en diversos programas de TV, como Toast of the Town, posteriormente conocido como Ed Sullivan Show. Murió tras una larga enfermedad el 26 de septiembre 1966 a los 63 años, en su apartamento en Jackson Heights.

Escucha a Helen Kane cantar en:
https://youtu.be/KPVghfa5x3I

Animación de Betty Boop en:
https://youtu.be/Rz_7Gvej8h4

Fuentes y fotografías
Efemérides musicales
20 minutos

LA CURIOSA HISTORIA DETRÁS DE MOLESKINE

 

-Cuadernos depositarios de ideas y esperanzas-

La escritura es uno de los mayores inventos de la humanidad, el invento a partir del cual todo conocimiento humano se desarrolla. Es a través de ella que se han plasmado y pasado los conocimientos de generación en generación y de un continente a otro. Los relatos y tradiciones orales se pierden y modifican, mientras que los escritos perduran en el tiempo.

Hoy en día, y a pesar de estar rodeados de ordenadores, teléfonos, y diversidad de dispositivos que nos facilitan la escritura a través de teclados y pantallas, existen estudios que confirman  que la escritura manual se asocia con una retención a largo plazo de la información, una mejor organización del pensamiento y una mayor capacidad para generar nuevas ideas. En estos tiempos tan digitales, una empresa como Moleskine sigue seduciendo al mundo con sus cuadernos, creando una comunidad de aficionados.

-Una interesante historia-

El cuaderno de notas Moleskine es el heredero y sucesor del legendario cuaderno usado por artistas y pensadores durante los últimos dos siglos, tales como Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Ernest Hemingway y Bruce Chatwin.

En 1887, en Londres, Frank Smythson, experto trabajador del cuero, abrió su primera tienda  y dedicó sus primeros años a crear el cuaderno perfecto. Quería convertir su tienda en el lugar de referencia para las personas que tenían grandes ideas y querían custodiarlas para siempre. Y lo consiguió. El nombre Smythson se popularizó hasta llegar a lo más alto en 1908, cuando, después de infinidad de diseños, nació Panamá, el primer cuaderno portátil preparado para ser doblado sin deformarse y con una hechura que permitía llevarlo en el bolsillo interior de las chaquetas. Eso sí, con un precio que no todo el mundo podía permitirse.

Fue en estos cuadernos Panamá donde Sigmund Freud recopiló cientos de confesiones, Hemingway ideó sus novelas, Winston Churchill sus discursos e incluso Marilyn Monroe recogió algunos de sus más íntimos pensamientos.

No obstante, como hemos dicho, no estaba al alcance de todo el mundo y fue entonces, cuando en 1997 nacieron en Italia unos cuadernos capaces de competir con el Panamá, a un tercio de su precio.

Estas libretas tenían un particular formato que fue en el que se basó Moleskine años después para diseñar las suyas. Un pequeño cuaderno negro rectangular con esquinas redondeadas, una banda elástica para mantenerlo cerrado y un bolsillo interno.

El novelista y escritor de viajes inglés Bruce Chatwin (1940-1989) popularizó este tipo de libreta, la cual le acompañaba en sus múltiples reseñas de viajes alrededor del mundo. También fue el propio escritor quien bautizó el producto como “Moleskine”. Se dice que le dio el nombre “Moleskine” por el parecido visual que tenía con el color y la textura de la piel de un topo (mole=topo + skin=piel).

-El origen de la marca Moleskine-

En 1994, Maria Sebregondi, quien trabajaba en Modo & Modo como diseñadora, se encontraba buscando un producto de éxito para la generación X. Ella y su equipo habían pensado en camisetas con frases célebres de autores, pero Maria no estaba convencida con ello, y decidió irse de viaje para encontrar la inspiración. Leyendo a su admirado escritor de viajes, Bruce Chatwin, descubrió que en su libro Los trazos de la canción (un relato de sus andanzas por Australia) se quejaba del cierre del taller de sus imprescindibles cuadernillos de viaje.

Maria, quién en su momento también quiso comprar unos de estos cuadernos, regreso a sus oficinas asegurando tener el producto para la generación X:
“Será italiano y se llamará Moleskine”.

Logró convencer a sus superiores explicando que a esa famosa generación a la que iban destinado su producto, era amante de las historias, y por eso colocó la de Chatwin en su interior. Decidió que los cuadernos se venderían en librerías y no en las habituales papelerías. Según decía, no eran cuadernos para escribir listas, sino libros para escribir.

Finalmente, y tras una primera negación y ante el miedo a lo que vendría, las librerías aceptaron venderlos. De hecho, la primera edición se vendió en tan solo dos días. Desgraciadamente, Chatwin murió antes de poder probarlos.

Sin duda Maria acertó y hoy en día la empresa cotiza en bolsa con un valor de 27 millones y tiene tiendas en 95 países. Moleskine ha sabido convertir un objeto “simple” en un producto de alta gama que transmite un “estilo de vida”. Ella es ahora la presidenta de la Moleskine Foundation.

El mito de la libreta Moleskine

Moleskine no inventó la famosa libreta, Moleskine se encargó de dotarla de misticismo, darle ese aura atractiva y deseable por un público amplio y heterogéneo a lo largo y ancho del mundo.

Hay algo simbólico en saber que una libreta como la que tenemos fue usada por algunos genios de la historia. Es una sensación de la que disfrutamos y por la que estamos dispuestos a pagar algo más. Como si teniéndola en nuestras manos fuese a despertar nuestra vena creativa/artística.

Ahí se encuentra el valor otorgado por el consumidor a algunas marcas. En este caso, no se trata del coste del papel encuadernado, sino del símbolo que representa. Así la historia detrás del producto forma parte indispensable del mito del mismo y de su atractivo.

Apalancándose en esta historia es como se ha construido y fortalecido la marca alrededor del mundo. Como ellos mismos lo definen: “Moleskine nace como marca en 1997, reproduciendo el legendario cuaderno de notas utilizado por artistas e intelectuales de los dos últimos siglos, desde Vincent van Gogh a Pablo Picasso, pasando por Ernest Hemingway y Bruce Chatwin”. Estos personajes probablemente ni siquiera usaron la marca, pero eso ya no importa, ahora forman parte de la historia de las libretas moleskine.

-¿Cómo son las Moleskine?

Ya sea en formato bolsillo o en un tamaño de la mitad de una hoja A4; rayadas, lisas o cuadriculadas, no importa como sean...todas son guardianes de ideas!. De tapa flexible o rígida, colorida o en negro. 

La ventaja de estas libretas es que el papel tiene un tratamiento libre de ácido por lo cual su durabilidad es muchísimo más que la de una libreta común, y por ejemplo tus bocetos hechos con lápiz pueden durar toda la vida!!! 

Y como ellos dicen…

“Es la historia detrás del producto, no el producto. Somos contadores de historias”.

 
Fuentes y fotografías:
Travel advisor guild
Sequio
Paperblog
Gabinete de curiosidades

EL TEMPLO KARNI MATA: DONDE LAS RATAS SON SAGRADAS

 

Culturalmente la India es uno de los países más especiales del mundo. Es enorme, tiene una población de más de 1000 millones de habitantes y cuenta con cientos de religiones, idiomas y formas de entender la vida.

-El templo de las ratas-

Emocionante, asombroso y exótico, el Templo de Karni Mata es el hogar de 25.000 ratas que comen, duermen, deambulan por las instalaciones del templo, protegiendo a las mismas y también bendiciendo a los devotos. Sin temor a que su vida termine, las ratas viven una vida tranquila sin ningún temor en uno de los destinos turísticos y lugares religiosos más populares de la India.
Situado en la ciudad de Deshnoke (Rajastán), es quizás el templo más raro del mundo.

-Arquitectura del templo-

La arquitectura del templo se asemeja enormemente al estilo arquitectónico mogol, debido a su plata, sus magníficas puertas y su fascinante frente de mármol. 
Majestuoso e impresionante, el templo tiene una bonita entrada de mármol labrado. El blanco reluciente contrasta con los muros pintados de un alegre rosa chillón.
Pero a este oratorio no se acude por las estatuas de plata ni las columnas de filigranas, sino por sus habitantes permanentes: 25.000 ratas.

-Leyenda-

Las ratas que habitan este templo de Dashnoke no están allí por descuido higiénico (aunque no sea el recinto más limpio que uno pueda contemplar), sino porque se trata de los descendientes de Karni Mata, uno de los avatares de la temible diosa Durga. En disputa con el dios de la muerte Yama, que se negó a concederle la resurrección de uno de sus hijos recientemente fallecido para quedarse con su alma, Karni Mata le prometió que a partir de aquel momento todos sus descendientes serían roedores, de manera que, si por ella era, no tendría más espíritus de los que apropiarse.

De todas las miles y miles de ratas del templo, hay 4 o 5 que son blancas y que se consideran especialmente sagradas. Verlas es señal de buena suerte.




El templo de Karni Mata empezó a construirse hace más de 600 años, aunque no se le dio su forma actual hasta bien entrado el siglo XX.

-Visita al templo-

La visita al templo, no es una visita que esté diseñada para todos los estómagos. Es un templo lleno de deposiciones y orines y en el que, como se puede imaginar, el olor que se percibe es, cuanto menos, intenso. Si a esto añadimos que las ratas pueden corretear libremente entre los pies del visitante (sí: las ratas pueden tocar al visitante, pasar por encima de sus pies e, incluso, ser pisadas por alguno de ellos), ciertamente no parece una visita que pueda gustar a cualquier tipo de turista.

Como en cualquier otro templo de la India, el visitante debe entregar sus zapatos antes de penetrar en él. Aquí, para los extranjeros –sabiendo de sus fobias–, hay tolerancia con que se camine con los calcetines puestos. Será una protección psicológica para aquellos que no quieran sentir el contacto directo de los roedores cruzando sobre sus empeines o yendo a olisquear sus tobillos.

Las ratas aparecen  por todos los rincones imaginables, hay que caminar con cautela y mirando bien por dónde se pisa, para no provocar un doble susto roedor-humano. Los animalillos suelen acercarse a husmear a los extraños, y se dice que trae buena suerte que uno de ellos corretee por encima de tu pie.
Los hindús acuden aquí con gran veneración, y cada mañana los sacerdotes sirven enormes recipientes repletos de fruta y verduras cortadas y bandejas de leche para que las descendientes de Karni Mata estén bien alimentadas.

Hay que estar muy pendientes de intentar localizar alguno de los escasos ejemplares blancos que habitan el lugar, pues ese contacto visual se considera altamente augurioso, y supone un aumento de la riqueza material en la vida de quien lo ha tenido.

Contrastan el encogimiento y los rostros rígidos de los occidentales que se mueven con pies de plomo por el recinto con la naturalidad de los hindús, que se postran a rezar –incluso llegan a tumbarse cuan largos son boca abajo sobre el suelo–, ignorando a los roedores o, directamente, acariciándoles y hablándoles de los deseos que han venido a solicitar. Hay incluso quien toma con la mano un sorbo de la leche que están engullendo las ratas. Puesto que ha estado en contacto con ellas, también es sagrada y auspiciosa.

Los rectores del templo aseguran que desde que el lugar existe, hace 600 años, jamás se ha dado una enfermedad contraída por los contactos con los roedores. Pero es una convicción, no hay datos que lo respalden. En cualquier caso, por respeto a las creencias locales, es mejor no hacer aspavientos ni proferir gritos. Si no se puede soportar la visita lo mejor es retirarse discretamente.

Como medida de precaución, lo mejor es deshacerse de los calcetines usados durante la visita y, si es posible, regresar al hotel y lavarse a fondo o tomar una ducha, pues inevitablemente, durante el paseo, se habrán pisado excrementos y orina de las miles de ratas que campan a sus anchas por todo Karni Mata.


Fuentes y fotografías:
La Vanguardia
India mágica
Mundo-nómada 

LAS QUIMERAS NO SON SÓLO UN MITO

 

Cuerpo de cabra, cola de serpiente, cabeza de león. Ese engendro era conocido en la mitología griega como Quimera, y quien se encontrara una en su camino podía interpretarlo como presagio de desastres.

Prácticamente todas las células del organismo de una persona presentan el mismo ADN. La mayor parte de ese ADN se encuentra contenido en el núcleo de la célula, mientras que una pequeña proporción está distribuida en las mitocondrias. Pero como ya se sabe, en biología y en genética existen excepciones para casi todas las normas. A continuación, vamos a ver dos de ellas.

El mosaicismo y el quimerismo son condiciones por las cuales una misma persona presenta células con diferente composición genética.  Los individuos afectados por estas condiciones se denominan mosaicos y quimeras, respectivamente, y al analizar sus tejidos encontraremos dos o más poblaciones celulares distintas.

A pesar de que los términos mosaicismo y quimerismo definen la misma condición genética, ambos fenómenos se diferencian en el origen del que provienen los distintos ADN que coexisten en las células de un mismo individuo. De esta forma, en los mosaicos, los tipos de células genéticamente diferentes surgen todas de un único cigoto (es decir, de un óvulo fecundado por un espermatozoide), mientras que en las quimeras se originan a partir de dos o más cigotos.

-Causas e importancia clínica del mosaicismo-
Desde el punto de vista artístico, un mosaico es una obra elaborada a partir de pequeñas piezas, que pueden ser distintos materiales, formas y colores (denominadas teselas) y que se aplican sobre una superficie para formar composiciones decorativas, geométricas o abstractas. En genética, los mosaicos se deben a la aparición de errores en el ADN durante las divisiones celulares que se producen en el proceso de desarrollo fetal. En función del tipo de células afectadas, la mutación podrá ser o no trasmitida a los hijos (si las células afectadas son de tipo germinal, la mutación afectará a la descendencia).

La importancia clínica del mosaicismo varía en función de la cantidad de células citogenéticamente normales y anormales presentes en un individuo. Cuanto mayor sea la proporción de células normales, se producirán menos enfermedades y de menor gravedad. Un ejemplo típico de mosaicismo es el que se da entre el 1 y el 2 % de personas con síndrome de Down, que tienen por lo menos dos tipos de células distintos coexistiendo en su organismo, unas con 46 cromosomas y otras con 47 cromosomas (que presentan un cromosoma 21 adicional).

-El quimerismo-
El quimerismo genético es una condición en la cual un individuo sano presenta células con diferente composición genética debido a una fusión de dos embriones diferentes en las primeras etapas de gestación. Como resultado, el individuo posee dos tipos de células diferentes, cada una con distinta constitución genética.

Este trastorno debe su nombre a la quimera de la mitología griega. Esta era una bestia fantástica, hija de Tifón y de Equidna, que vagaba por las regiones de Asia Menor aterrorizando a las poblaciones y engullendo animales. Pero lo que llamaba la atención era su aspecto híbrido entre un león, una cabra y una serpiente o dragón.

Sólo unos 100 casos de quimerismo humano han sido registrados en la literatura médica moderna. Además, este trastorno también puede afectar a los animales, que a menudo causa dos tipos distintos de colorantes en diferentes mitades del mismo animal, como dos ojos de diferentes colores.

-Causas y tipos de quimerismo-
Las personas pueden experimentar uno de varios tipos de quimerismo. Cada uno tiene una causa ligeramente diferente y puede provocar diferentes síntomas: 

- Quimerismo gemelo: Una forma más extrema de quimerismo puede ocurrir cuando se concibe un par de gemelos y un embrión muere en el útero. El feto sobreviviente puede absorber algunas de las células de su gemelo fallecido. Esto le da al feto superviviente dos grupos de células: la suya propia y algunas de sus gemelas.

- Microquimerismo: En los humanos, el quimerismo ocurre más comúnmente cuando una mujer embarazada absorbe unas pocas células de su feto. También puede ocurrir lo contrario, cuando un feto absorbe unas pocas células de su madre. Estas células pueden viajar al torrente sanguíneo de la madre o del feto y migrar a diferentes órganos. Pueden permanecer en el cuerpo de una madre o en el cuerpo de un niño durante una década o más después del parto.

- Quimerismo artificial: Un tipo similar de quimerismo puede ocurrir cuando una persona recibe una transfusión de sangre , un trasplante de células madre o un trasplante de médula ósea de otra persona y absorbe algunas de las células de esa persona. Esto se llama quimerismo artificial. 

- Quimerismo tetragamético: En otros casos, las quimeras humanas se desarrollan cuando dos espermas diferentes fertilizan dos óvulos diferentes. Luego, todas estas células se fusionan en un embrión humano con líneas celulares cruzadas. Esto se llama quimerismo tetragamético.

-Casos inusuales-
En 2002, un grupo de investigadores publicó en la revista New England Journal of Medicine el extraño caso de Karen Keegan, de Boston. Esta mujer descubrió que dos de sus tres hijos no descendían de ella, y por lo tanto no eran compatibles para un trasplante de riñon.
Resulta que Keegan, luego de pruebas posteriores, descubrió que el ADN de su sangre era distinto del de sus ovarios donde había células con un material genético diferente. Por lo que generaron los óvulos de los que nacieron sus hijos.

Pero quizá uno de los casos más llamativos es el de la cantante y modelo Taylor Muhl, quien tiene quimerismo gemelo, es decir, absorvió a su hermana gemela antes de nacer, por lo que su cuerpo alberga dos ADN distintos, hecho que se ve caracterizado en su propia piel.

Los animales también pueden nacer con estos trastornos, siendo sus características más visibles que en los humanos, pues estos presentan la mitad de su cuerpo completamente distinta a la otra, mostrando un sorprendente contraste.

- Para los casos de quimerismo que causan características intersexuales, existe un riesgo de infertilidad. Además, las quimeras gemelas pueden experimentar una mayor tasa de enfermedades autoinmunes.

Los casos de personas que tienen dos tipos distintos de ADN son raros y solo suelen descubrirse por accidente, por lo que probablemente existen personas que pasan toda su vida siendo quimeras sin ser conscientes de ello.

Cuando estos casos se descubren, normalmente en el contexto de pruebas de paternidad o test de compatibilidad genética por problemas de salud, suelen dejar perplejos a expertos y familias.



Fuentes y fotografías:
Genotipia
De Perú 21
Enséñame de ciencia
Museo del prado
Sobre Grecia

H. R. GIGER "EL SEÑOR SE LAS PESADILLAS"

 

-Para hablar de este singular artista, debemos trasladarnos a su país de origen, Suiza-

Todos tenemos pesadillas, y algunas muy perturbadoras. La mayoría de nosotros lo único que podemos hacer es despertarnos con taquicardia. Pero algunos hombres y mujeres tienen el talento de transformarlas en arte, cuentos, canciones, esculturas, pinturas y dibujos. Uno de los artistas mas perturbadores fue el suizo Hans Ruedi Giger, nacido en Cuera, Suiza en 1940.

El origen de las monstruosas imágenes que atormentaron la infancia de Giger son producto del oficio de su padre. Además de ser farmacéutico, era proveedor de insumos para anatomía patológica. No suele ser muy recomendable para un niño crecer entre modelos anatómicos y frascos repletos de fetos con malformaciones.

El pequeño Giger encontró una terapia para combatir sus pesadillas, al despertar las dibujaba. Siendo un preadolescente descubrió que era mas eficaz si las representaba en plastilina, su cuarto terminó siendo una galería del horror. Su perturbación se convirtió en inspiración, ya no necesitaba tener pesadillas, podía crearlas.

Estudió decoración, Arquitectura y diseño industrial, pero no para ejercer, lo necesitaba para diseñar los escenarios de sus obras. Cuando creyó que dominaba el óleo y el aerógrafo, decidió vivir del arte. No sería fácil con imágenes de fetos muertos, sexo explícito y descuartizados. Pero se convirtió en el pionero en el dibujo de la fusión de hombres y máquinas, nacían los "Biomechanics".

En 1966 se enamora de la actriz, modelo y artista Li Tober, con la que comienza un romance, y rueda el primero de varios cortos que se harán sobre su trabajo.
La relación con Giger era de idas y vueltas, con drogas, promiscuidad, e infidelidades que, eventualmente, Giger perdonaba. Finalmente Li decide quitarse la vida de un disparo certero a la edad de 27 años en 1975, tras nueve años de relación con el artista, marcando a Giger y parte de su obra. 

Li Tober se convierte en el principal ícono estético de la obra de Giger.
“Tenía un aire de pureza y honestidad como raras veces he encontrado entre los seres humanos, era el hada de mis sueños, hecha realidad”

En una galería subterránea lo descubre quién sería su fan número uno, Salvador Dalí. Este se lo presenta a Moebius (seudónimo de Jean Giraud), quien se lo recomienda a Alejandro Jodorowsky para su megaproyecto "Dune". Pero este proyecto no pudo llevarse a cabo.

Los planetas se alinearon cuando Giger publica "Necronomicón" que llegó a las manos de Ridley Scott en plena pre producción de "Alien". Scott detuvo todo y lo puso en manos de Giger. Este diseñó, naves, planetas, escenografías y organismos. Por primera vez en el cine se veía el nacimiento de una especie desde su estado larva, visitante, cachorro y adulto.
"Alien" fue un salto descomunal en la historia de la ciencia ficción, y la obtención del "Oscar" por su trabajo lo hizo conocido a nivel mundial.

Sus dibujos se volvieron de culto. Favorito de los músicos, fue invitado a dibujar las portadas de discos de "Emerson, Lake & Palmer", "Deborah Harry", "Dead Kennedys" y "Danzing". El cine no se podía permitir tenerlo inactivo, fue responsable entre otras pelícuñas como "Poltergeist", "Alien 3", "Species" y "Prometheus".

Su museo es un punto aparte: “El H. G. Museum” inaugurado en 1998, en la ciudad de Gruyéres, Suiza. Emplazado en un antiguo castillo medieval, con cuatros niveles y/o salas de exhibición, alberga colecciones privadas, propia y en calidad de préstamo referidas a pintura, muebles, objetos y escultura. La colección de Giger tiene su propio lugar, con más de 600 pinturas de artistas como: Dalí, Fuchs, Weber, Brus, Sandoz, Kuhn y más. 

El museo también cuenta con uno de los dos Bar Giger que hay en Suiza.  Ambientados tenebrosamente, donde diseñó absolutamente todo: vasos, sillas, manijas, piso, techo, etc,
Inaugurado en el 2003, haciendo hincapié en la arquitectura gótica existente, con bóvedas recubiertas por vertebras Criss-Cross, mobiliario en piedra, resina, acrílicos. Un ambiente acorde a su dueño, oscuro, iluminado, increíble. 

Cuando Giger murió, el 12 de mayo de 2014, como consecuencia de una caída por las escaleras de su casa en Suiza, Sigourney Weaver, la teniente Ripley de «Alien», dijo: «¿Qué se puede decir de él? Era simplemente un genio».


Fuentes y fotografías:
Fragmentos de la historia
Historia-arte
Todo cuadros

LOS ESQUIMALES: CREADORES DE LAS PRIMERAS GAFAS DE SOL

 -Hoy viajo al Círculo Polar Ártico, para hablaros del origen de un objeto, tan usual como indispensable en nuestro día a día, las gafas de sol-

El primer utensilio que se acopla a los ojos para protegerlos de los rayos del sol se remonta a la prehistoria. Se hacían de madera, hueso o marfil y ni siquiera tenían cristales, pero aun así están consideradas las primeras gafas de sol que ha usado el hombre.

Sencillas y efectivas, su invención se debe al ingenio de un pueblo que  sobrevive a uno de los climas más extremos del planeta: 
Los Esquimales.
Este término se utiliza para que se puedan identificar rápidamente, pero a la mayoría de ellos no les gusta y lo consideran un término despectivo, ya que el significado de esquimal es "devoradores de carne cruda".
Ellos prefieren ser llamados Inuit, que significa  “Pueblo” o Inut que sería el singular y que significa “Persona”. 
Este curioso objeto nació de un serio problema que afectaba a los Inuit con frecuencia: La Ceguera de las Nieves.

Las primeras gafas de nieve se realizaban con madera o con hueso o asta de caribú, de forma rectangular, con dos estrechas ranuras a cada lado para los ojos. La parte interior de las  gafas  presenta una concavidad en el centro para la nariz y otras dos de forma rectangular para los ojos. Para sujetarlas a la cabeza tienen una correa formada por dos tiras de piel que se unen mediante una costura con hilo de tendón, la unión a las gafas se realiza también con una costura a ambos lados.

Los inuit empleaban gafas como esta para proteger sus ojos del reflejo de la luz sobre la nieve y el mar, sobre todo en primavera, cuando el sol está muy bajo y la nieve actúa como un espejo, llegando a producir graves daños en los ojos e incluso ceguera si estos no están protegidos.

La nieve refleja hasta el 80 % de los rayos ultravioletas del sol y cuanta más altitud, menor protección atmosférica tenemos (cada mil metros se reduce hasta en un 15 %). Tras la exposición solar pueden pasar entre 4 y 6 horas hasta que aparecen los primeros síntomas de la ceguera de la nieve: hipersensibilidad a la luz (fotofobia) y lagrimeo, para después dar un enrojecimiento, dolor e incluso pérdida de visión tras dañar el cristalino o la retina.

Las estrechas ranuras de las gafas permiten ver al que las lleva, a la vez que disminuyen el efecto de la luz del sol sobre los ojos. El exterior de las gafas era untado con una mezcla de grasa y hollín o pólvora, para teñir la superficie de negro y así absorber la luz y neutralizar aún más su nocivo efecto. El interior está ahuecado para facilitar el movimiento de los párpados y que estos no se irritaran al rozar las pestañas con las gafas.

Se han hallado algunas que tienen más de 2.000 años de antigüedad.

Actualmente, la mayoría de Inuit usan modernas gafas de nieve.
Pero aseguran que su antiguo modelo tiene algunas ventajas sobre las modernas. Por ejemplo, al no tener cristales, ni se empañan ni se congelan.

Además, el principio de las gafas Inuit se enseña en cursos de supervivencia, pues si te vieras de pronto inmerso en un clima propenso a provocar ceguera de las nieves, no sería complicado fabricarse unas usando cartón , plástico o cualquier otro material.

Incluso la NASA ha estudiado estos anteojos Inuit y desarrollado fórmulas para saber cuantos milímetros de apertura para los ojos deben de tener teniendo en cuenta la luminosidad existente, la distancia, etc.


Fuentes y fotografías:
Museo nacional de antropología
Natural optics